• Héctor Barrero

291 Alfred Stieglitz: una galería que cambió la fotografía

Alfred Stieglitz, (nacido el 1 de enero de 1864, Hoboken, Nueva Jersey , EE. UU., Muerto el 13 de julio de 1946, Nueva York), marchante de arte, editor, defensor del movimiento modernista en las artes y, posiblemente, el más importante fotógrafo de su época.


Sus primeros años y su obra.


Stieglitz era hijo de Edward Stieglitz, un judío alemán que se mudó a los Estados Unidos en 1849 quién hizo una cómoda fortuna en el negocio de la ropa. En 1871, el anciano Stieglitz trasladó a su familia de Hoboken , Nueva Jersey, al Upper East Side de Manhattan . Diez años más tarde vendió su negocio para dedicarse a la apreciación de las artes y a los viajes por Europa.


En 1882 Alfred Stieglitz se matriculó en la Technische Hochschule de Berlín para estudiar ingeniería , pero el tema aparentemente no le llamó la atención. Sin embargo, pasó un tiempo indeterminado estudiando con el gran fotoquímico Hermann Vogel y, durante este mismo período, se dedicó a la fotografía . Parecería que este compromiso no interfirió seriamente con su papel de destacable estudiante, ya que pasaba gran parte de su tiempo en el hipódromo y en los cafés, viendo óperas de Richard Wagner y siendo entretenido por mujeres jóvenes de escasos recursos económicos. Sin embargo, en 1887 ya tenía la habilidad suficiente para ganar el primer y segundo premio en el concurso "Holiday Work" de la principal revista inglesa Amateur Photographer .

Invierno en Quinta Avenida, 1892. Alfred Stieglitz


En 1890, después de ocho años de hacer básicamente lo que le dio la gana, principalmente en Alemania, Stieglitz regresó a los Estados Unidos. Estaba convencido de que la fotografía debía considerarse arte, al menos potencialmente a la altura de la pintura y las artes gráficas tradicionales, y estaba acostumbrado a salirse con la suya. Rápidamente se convirtió en un líder del movimiento de bellas artes de la fotografía en los Estados Unidos (parte de un fenómeno internacional).

En 1892 se convirtió en editor de Camera Notes , la publicación del Camera Club de Nueva York, un puesto que le permitió hacer avanzar a los fotógrafos y las políticas que favorecía. En 1902, sin embargo, el resentimiento en el club había llegado a un punto en el que Stieglitz se vio obligado a dimitir. Estaba listo para seguir adelante y ya tenía planes para su propia organización y diario.


La Foto Secesión


A principios de 1902, Stieglitz anunció la existencia de una nueva "organización" llamada Photo-Secession, un grupo cuyo nombre era una alusión a los grupos de artistas secesionistas formados en Alemania y Austria en la década de 1890 y que, como sus homólogos europeos, estaba diseñado para romper lejos de las ideas aburridas y convencionales. Photo-Secession se dedicó a promover la fotografía como forma de arte de forma muy activa. De hecho, todos los fotógrafos foto-secesionistas estaban comprometidos en mayor o menor grado con lo que se llamó el estilo pictorialista , lo que significa que favorecieron los temas del género tradicional que habían sido santificados por generaciones de pintores convencionales y técnicas que tendían a ocultar la factualidad intrínseca de la fotografía detrás de una niebla suavizante. Los miembros del grupo fueron elegidos por Stieglitz y, finalmente, su lista incluyó a 17 becarios y casi el doble de asociados. Los miembros fundadores incluyeron a Gertrude Käsebier, Edward Steichen, Clarence H. White y Joseph Keiley.


Es difícil describir el carácter de la fotografía de Stieglitz de este período sin identificar primero porque la qué selección de obras tempranas aún se están considerando. Como publicista, editor activo y talentoso, Stieglitz pudo revisar regularmente sus propios logros artísticos tempranos y enfatizar los primeros trabajos que, en retrospectiva, parecían más interesantes que cuando eran nuevos. Por ejemplo, el negativo de su amante Paula se hizo en 1889, pero la primera exhibición confirmada de una impresión de ella fue en 1921, y la impresión más antigua que se conserva data de 1916.

Rayos de sol: Paula, Berlín. 1889, impreso 1920/39


Si se juzga por el trabajo que Stieglitz que eligió reproducir mientras era editor de Camera Notes , o por las 15 imágenes seleccionado por el colaborador frecuente de Stieglitz, Charles H. Caffin, en su importante libro de 1901 Photography as Fine Art , gran parte de los primeros trabajos de Stieglitz eran sentimentales, convencionales o ambos. Poco se compara en vitalidad, incluso dentro de la estrecha estética pictorialista, con la obra contemporánea de Käsebier, Steichen o White. Las excepciones en los primeros trabajos de Stieglitz, esas imágenes que parecen responder a la vida y al lugar del fotógrafo, como Invierno, Quinta Avenida (ver al principio del post) o La Terminal (ambas de 1892) —casi siempre responde a problemas técnicos difíciles, que a Stieglitz le encantaban y que a menudo superaron sus impulsos de hacer fotografías artísticamente correctas.

The Terminal 1893, printed 1911.


Para promover sus objetivos (y, presumiblemente, los objetivos de la Foto-Secesión), Stieglitz presentó una publicación trimestral llamada Camera Work ; su primer número apareció en enero de 1903 y se producirían un total de 50 números antes de que dejara de publicarse en 1917.

La revista definiría en gran medida las ambiciones artísticas de los fotógrafos aficionados en el primer cuarto del siglo XX. La calidad de Camera Work y la producción fue extraordinaria y muchas de sus reproducciones en huecograbado, a menudo realizadas directamente a partir del negativo de un fotógrafo, todavía son valoradas por los coleccionistas. (Cuando Stieglitz regresó a los Estados Unidos en 1890, su padre le compró una participación en Heliochrome Company, una empresa que trabajaba en la entonces nueva tecnología del fotograbado. El negocio fue un fracaso, tal vez debido a las posturas anti-comerciales de Stieglitz, pero posible que aprendiera algo sobre el oficio de la imprenta que le sirvió bien en su trabajo posterior como editor).


A finales de 1905, con el apoyo de su joven protegido Steichen, Stieglitz abrió Little Galleries of the Photo-Secession, un nombre pronto acortado a 291, la dirección de la galería en la parte baja de la Quinta Avenida en la ciudad de Nueva York. Durante los primeros cuatro años de la galería, la mayoría de las veces funcionó como un espacio de exhibición para los fotógrafos de Photo-Secession. Sin embargo, para la temporada de 1909, la galería comenzó a promover el arte progresista en una variedad de medios, y el trabajo de pintores, escultores y grabadores casi usurpó el espacio de la galería. Estas exposiciones (muchas de ellas organizadas por Steichen) incluyeron las primeras muestras en los Estados Unidos de la obra de Henri Matisse , Henri de Toulouse-Lautrec , Paul Cézanne y Pablo Picasso .

Picasso-Braque Exhibition at 291 Gallery, 1915


Como resultado de sus variadas actividades, la reputación de Stieglitz en el mundo del arte creció rápidamente, y en 1910 la Galería Albright (ahora la Galería de Arte Albright-Knox) ​​de Buffalo, una institución muy respetada, le ofreció todo su espacio de galería para hacer una exposición sobre el arte de la fotografía como él la entendía. La exposición contenía alrededor de 600 fotografías, incluidas 27 de Frank Eugene y 16 de Anne Brigman, pero ninguna de Carleton Watkins, William Henry Jackson, Edward Curtis o los compañeros neoyorquinos de Stieglitz, Jacob A. Riis y Lewis Wickes Hine. Todos ellos vivos, y ninguno desconocido. Stieglitz les dijo a sus amigos que la exposición de Buffalo fue la realización de su sueño de un cuarto de siglo: "¡El pleno reconocimiento de la fotografía por parte de un importante museo de arte!" La exposición fue un triunfo político, pero no artístico, ya que sólo representaba una concepción muy limitada —la de Stieglitz por desgracia— de lo que podría ser el potencial creativo de la fotografía. De hecho, la exposición reveló que, aunque pretendían ser progresistas, los ideales foto-secesionistas se habían vuelto, de alguna manera, autoritarios y profundamente conservadores, ignorando el trabajo que perseguía algo más que un esteticismo atenuado.


Después de la exposición de Buffalo, Stieglitz realizó pocas fotografías durante cinco años.


Cuando volvió a crear sus propias fotografías en 1915, su trabajo parece haberse limpiado de las antiguas posturas artísticas y las manipulaciones del cuarto oscuro y dedicado en cambio a la observación clara de los hechos. El cambio se debió quizás en parte a su reconocimiento de que, en su mayor parte, el trabajo de la exposición de Buffalo representaba un callejón sin salida y sólo conduciría a una repetición progresivamente más débil. Además, es imposible creer que una persona con la inteligencia artística de Stieglitz no cambie por la exposición a la obra de Rodin , Matisse, Brancusi , Picasso y Braque, que había mostrado en 291 entre 1908 y 1914. Pero quizás la causa más directa de la renovación artística de Stieglitz fue ver la primera obra madura de Paul Strand , que Stieglitz presentó en 1917 en el número final (doble) de Camera Work. Stieglitz siempre había aprendido rápidamente de sus protegidos, y sin duda alguna el trabajo de Strand lo desafió, al que caracterizó como "brutalmente directo, puro y sin engaños".

Paul Strand. Camera Work, Number 49/50


Sin embargo, hay que decir qué parte de lo nuevo en la obra de Stieglitz trascendió las invenciones juveniles de Strand y reveló (finalmente) los valores de un artista adulto. Las primeras de las nuevas imágenes eran retratos de los artistas cercanos a Stieglitz —Francis Picabia , Charles Demuth , Marsden Hartley— y hacen que sus primeros retratos parezcan, en comparación, personajes salidos de la ficción. En 1916 creó una asombrosa serie en la que mostraba a Ellen Koeniger en traje de baño, quizás la imagen más alegre y sexual que ha producido la fotografía.

Ellen Koeniger, Lake George, 1916

Ellen Koeniger, Lake George, 1916


Los nuevos puntos de vista de Stieglitz eran incompatibles con los de la mayoría de los fotógrafos aficionados, el núcleo de el grupo de suscriptores de Camera Work , que tendía a considerar la fotografía como un medio no para explorar el mundo sino para esconderse de él. Cuando comenzó Camera Work , tenía alrededor de 650 suscriptores de pago; cuando dejó de publicarse en 1917, tenía alrededor de 36. Muchos de sus suscriptores originales estaban sin duda descontentos por el aparente abandono de la revista (paralelo a las preferencias del propio Stieglitz) de la fotografía pictorialista en favor de la pintura de vanguardia. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial , otros fueron repelidos por los sentimientos pro-alemanes de Stieglitz. En un sentido más amplio, Camera Work puede haber muerto porque Stieglitz había perdido interés en los objetivos iniciales (promover la fotografía como un arte en la línea de la pintura) para los que se fundó. Personas cercanas a Stieglitz se alienaron por su arrogancia y estrategias de manipulación: uno por uno los más importantes de la Photo-Secession miembros- Käsebier, Steichen , fueron dejando de tener contacto y relación con Stieglitz, y en 1917 la galería 291 cerró definitivamente.


Carrera Posterior


Libre por fin de los deberes de editor, y (por un tiempo) propietario de una galería, Stieglitz comenzó, a principios de los 50, el período más original y productivo de su vida como artista.


Durante los siguientes 20 años, produjo la obra que define su prestigio como artista moderno. En 1917 conoció a la pintora Georgia O'Keeffe , quien rápidamente se convertiría en su amante y finalmente (en 1924) en su esposa, después de que Stieglitz se divorciara de su primera esposa, Emmeline Obermeyer. Su retrato en serie de O'Keeffe, realizado durante un período de 20 años, contiene más de 300 imágenes individuales y sigue siendo único y convincente en su capacidad para capturar muchas facetas de un solo tema. Hasta que dejó de fotografiar en 1937, Stieglitz también creó series que representan el horizonte cambiante de Nueva York, las formaciones de nubes y los alrededores de su casa de verano en Lake George, Nueva York. Estos trabajos posteriores siguen siendo notablemente vitales y continúan inspirando y desafiando a fotógrafos y artistas en otros campos.

Lago George , 1922. Impresión en gelatina de plata, 19,1 × 22,9 cm


Stieglitz también continuó sus esfuerzos para apoyar y exhibir el arte modernista . Después de cerrar 291, abrió dos galerías adicionales: the Intimate Gallery, de 1925 a 1929, y An American Place, desde 1929 hasta su muerte en 1946. Estas pequeñas galerías se dedicaron casi exclusivamente a la exposición de los artistas modernistas estadounidenses en los que Stieglitz creía más profundamente: Demuth, Arthur G. Dove, Hartley, John Marin y O'Keeffe.


En menor medida, también mostró el trabajo de fotógrafos estadounidenses. En 1936 mostró el trabajo de Ansel Adams , el primer fotógrafo nuevo que había mostrado desde Strand 20 años antes. Dos años después mostró el trabajo de Eliot Porter. A través de tales esfuerzos, Stieglitz ayudó a aumentar el respeto del público por el arte estadounidense.


Las contribuciones de Alfred Stieglitz a la vida cultural de su país fueron, por tanto, muchas y proteicas, pero el juicio de Steichen en 1963 parece justo: "El mayor legado de Stieglitz al mundo son sus fotografías, y el mayor de ellos son las cosas que comenzó a hacer hacia el final de los 291 días".

Alfred Stieglitz, Grand Central Terminal (1929)

Georgia O'Keeffe. 1919


Frank Eugene, Eugene Stieglitz, Kühn y Steichen revisando el trabajo de Eugene. 1907

“Siempre que haya luz, se puede fotografiar”.

                                                     Alfred Stieglitz


Os recomiendo ver este magnífico documental sobre su vida.


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